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This is not a love song

13 Jun

El arte del siglo XX es un arte complejo, una época en la que, quizás más que en cualquier otra, se mezclan distintas disciplinas y movimientos. Una época también en la que las fronteras entre arte académico y cultura popular se desdibujan, dando lugar a manifestaciones culturales híbridas que se nutren de estímulos de fuentes muy diversas. Una de las relaciones más fructíferas entre géneros ha sido, y sigue siendo, la simbiosis perfecta que conforman música y arte. Más concretamente video arte. Esta sinergía, nacida en los años 60 con la aparición del vídeo musical y consolidada con la irrupción del canal de televisión musical MTV, ha dado lugar a algunas de las más interesantes aportaciones culturales de las últimas décadas.

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Coproducida por Screen Projects, Primavera Sound y el Palau de la Virreina, se presenta la exposición This is not a Love Song, una muestra que toma el nombre de la célebre canción del grupo musical Public Image Ltd. (formación liderada por Jonnhy Rotten, carísmatico líder de los Sex Pistols). La exposición revela por un lado como muchos artistas de vanguardia fueron influenciados y atraídos por la estética de la míscica popular, enre ellos Andy Warhol, Nam June Paik, Yayoi Kusama, Dan Graham, Vito Acconci, John Baldessari, Damien Hirst y Pipilotti Rist; y por otro cómo los grandes músicos muy frecuentemente caminan por  ambos lados, como Sonic Youth, David Bowie, Patti Smith, Brian Eno o David Byrne.

 

Un exposición que, por encima de todo, pone de manifiesto cómo la música de la segunda mitad del siglo XX sirvió de catalizador de una explosión de creatividad para toda una generación de artistas. 

 

Más información:

http://lavirreina.bcn.cat/es/exposiciones/not-love-song

PALAU DE LA VIRREINA, LA RAMBLA 99, BARCELONA

Del 22 de mayo al 29 de septiembre. PRORROGADA HASTA EL 13 DE OCTUBRE

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Ars Combinatoria, Chema Madoz

18 May

La sala de exposiciones de La Pedrera acoge la exposición Ars Combinatoria, una magnífica retrospectiva del artista Chema Madoz (Madrid, 1958) que recoge una selección de más de setenta obras de las últimas tres décadas.

Conocido por su personal visión artística, Madoz es una de las figuras más importantes la fotografía contemporánea española. Ganador del prestigioso Premio Nacional de Fotografía en el 2000, su trabajo ha sido expuesto en numerosas exposiciones y sus imágenes han sido reproducidas en innumerables publicaciones.

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Chema Madoz

Ars Combinatoria es una excelente oportunidad para descubrir, o redescubrir, la obra de Chema Madoz. Y es que entrar en esta exposición es como abrir la caja de un mago, es imposible no sorprenderse cuando uno ve sus imágenes por primera vez. Viviendo como vivimos en la era digital, donde la imágenes manipuladas son omnipresentes, sus sorprendentes imágenes quizás no asombren al espectador contemporáneo pero, a pesa de su apariencia desconcertante, sus bellas imágens en blanco y negro son todas imágenes analógicas, 100% libres de retoque digital.

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Chema Madoz

No hay mejor forma de definir la obra de Madoz que decir poesía visual. Combinando y modificando objetos cotidianos con una delicado sentido de la ironía, imagina nuevos universos y se cuestiona la realidad que se le presupone a la fotografía. Estas genuinas composiciones, llenas de belleza y misterio, están además cargadas de simbolismo. Pero descifrar su significado es algo que Madoz deja al espectador, implicarnos en sus afortunados descubrimientos parece ser parte de su proceso creativo.

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Chema Madoz

Madoz puede no usar palabras, pero es resultado de su obra es realmente poético. Y una cosa es segura, después de visitar esta exposición es imposible no mirar a los objetos que nos rodean de forma diferente, como si guardaran un mensaje escondido esperando a ser descubierto por una mirada perspicaz.

Más información:

http://www.lapedrera.com/es/chema-madoz-ars-combinatoria-0

LA PEDRERA, PASSEIG DE GRACIA 92, BARCELONA

Del 9 de abril al 28 de julio

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Israel Ariño, Atles i altres cartografies

21 Feb

Podría decirse que el mapa es al territorio lo que la ficción es a la realidad. Me gusta pensar que, de alguna manera, las imágenes de Israel Ariño funcionan del mismo modo. Sus delicadas fotografías en blanco y negro tienen sin duda una conexión con la realidad; pertenecen a un universo que nos resulta familiar, pero mirando las imágenes sabemos que ese universo no es nuestro, como si el artista estuviera haciendo un mapa de sus propios sentimientos a través de la fotografía, construyendo todo un nuevo universo paralelo. Una atmósfera de extrañeza envuelve las imágenes. Debe ser esa sensibilidad especial de Ariño para capturar la naturaleza y transformarla: los árboles, los ríos, los animales salvajes, incluso las estrellas, no parecen de este mundo, como si en ellas se escondiera el significado mismo de la vida.

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Israel Ariño, 2011-2012, Serie Obirar.
Copia analógica de autor. 75 x 90 cm. Edición de 7

Hasta el 9 de marzo, la galería especializada en fotografía Tagomago acoge Atles i altres cartografies, una selección de trabajos de Israel Ariño. La exposición se organiza en tres habitaciones, cada una de las cuales muestra una manera diferente de entender las imágenes: la primera está invadida por vegetación y oscuridad; en la segunda la luz aparece y revela un mundo simbólico; y la tercera se fragmenta en pequeñas imágenes sin marco clavadas directamente en a pared.

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Israel Ariño, 2006-2012, Serie Atlas
Copia analógica de autor. 12 x 12 cm. Edición de 25

La exposición coincide además con la reciente publicación de dos fotolibros excepcionales de la editorial barcelonesa independiente Ediciones Anómalas. Por un lado Atlas, una cuidada publicación limitada a 300 copias, todas numeradas y firmadas. Y por otro Terra Incognita, probablemente su referencia más arriesgada hasta la fecha, un excelene trabajo editado en papel y formato de periódico.

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Israel Ariño, 2006-2012, Serie Atlas
Copia analógica de autor. 12 x 12 cm. Edición de 25

HASTA EL 19 DE MARZO DE 2013

PRORROGADA HASTA EL 28  DE MARZO

GALERÍA TAGOMAGO

C/SANTA TERESA 3, 08012, BARCELONA

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The New York Times Magazine. Fotografías

13 Nov

La historia de la fotografía siempre ha estado íntimamente relacionada con el papel impreso. Desde los inicios, no sólo los libros sino también las revistas, han jugado un papel significativo como plataforma para la circulación de trabajos fotográficos, y si hay una revista que ilustra mejor que ninguna otra esta idea, ésa es, sin ninguna duda, El New York Times Magazine, cuyas páginas han determinado las posibilidades de las revistas fotográficas en los últimos treinta años.

El Palau Robert acoge una extensa exposición que revela la tremenda influencia del New York Times, centrándose principalmente en los últimos quince años. Comisariada por Kathy Ryan, editora de fotografía de la revista, y por Lesly A. Martin de la prestigiosa Aperture Foundation, la exposición revela el significado de la fotografía en la sociedad contemporánea y se cuestiona la naturaleza de las imágenes en este particular momento de cambios en el que el papel y los medios digitales interactúan y en ocasiones colisionan.

La exposición está organizada en once módulos, cada uno de los cuales muestra un proyecto o serie de especial trascendencia en la historia de la revista, un total de 135 imágenes entre reportajes, retratos, moda y fotografía artística de 35 fotógrafos de reconocimiento internacional como -atención a esta impresionante lista- Annie Leibovitz, Sebastião Salgado, David Armstrong, Roger Ballen, Lillian Bassman, Gregory Crewdson, Philip-Lorca diCorcia, Rineke Dijkstra, Mitch Epstein, Lee Friedlander, Nan Goldin, Inez van Lamsweerde & Vinoodh Matadin, Mary Ellen Mark, Steve McCurry, Ryan McGinley, Paolo Pellegrin, Jack Pierson o Malick Sidibé entre otros.

new_york_times_palau_robert_crewdsonDe la serie “Dreamhouse”, pulicada en 2002 © Gregory Crewdson

new_york_times_palau_robert_di_corcia42nd Street 5 p.m.,  1997 © Philip-Lorca diCorcia

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Maya toma las calles © Ryan McGinley

La muestra es, en definitiva, un ensayo visual sobre la propia imagen y la relevancia del papel impreso a través de algunas de las más importantes imágenes de los más grandes fotógrafos de nuestro tiempo. Bajo mi punto de vista, totalmente indispensable.

Del 28 de septiembre al 2 de diciembre

PALAU ROBERT, PASSEIG DE GRÀCIA 120

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Visiones simbólicas. Una mirada al Universo de Daniel Johnston

27 Oct

Pocos artistas hay tan genuinos y honestos como Daniel Johnston (Sacramento, 1961). Y tan versátiles, porque aunque Johnston sea más conocido como músico -es una figura de culto indie sobre todo desde que Kurt Cobain vistiera una de sus camisetas en los Premios MTV de la Música- su faceta como artista visual no es menos interesante, aunque sí mucho más rara de ver, por lo que es tan excepcional la exposición que estos días acoge el Espai Cultural Caja Madrid de Barcelona hasta el 11 de noviembre.

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Visiones simbólicas. Una mirada al Universo de Daniel Johnston presenta una colección de dibujos pertenecientes a su amigo y ex-manager Jeff Tartakov junto con grabaciones caseras en cassette e incluso un documental sobre su universo creativo.

Tal como ocurre con su música, los dibujos de Johsnton revelan una extraordinaria fuerza creativa pero también un lado oscuro, sus trabajos reflejan los miedos y obsesiones de quien ha sido diagnosticado con desorden bipolar y esquizofrenia, creando imágenes construidas sobre personajes simbólicos recurrentes como la Rana Jeremiah (su alter ego), Casper el fantasma, su amada Julie, Capitán América y, sobre todo, el Demonio, una obsesión permanente, quizás consecuencia de su educación ultra católica. Pero mejor no caer en el tópico del artista torturado pues su obra no es fruto de su locura, sino que, como el gran dibujante de comic Harvey Pekar dijo una vez: “ Daniel no es un artista por su enfermedad mental, lo es a pesar de ella”

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En cualquier caso, tanto si eres un conocedor de la música de Johnston como si no (bien, en este caso quizás también sea un buen momento para descubrir su universo sonoro) esta exposición es una ocasión que no debes perder para conocer a una artista único.

Más información:

https://www.facebook.com/EspaiCultural

ESPAI CULTURAL CAJA MADRID

PLAÇA CATALUNYA 9

Del 13 de septiembre al 11 de noviembre

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Emergencia Showroom 2012

28 Jun

Emergencia es una de las propuestas más frescas e innovadoras dentro del panorama artístico barcelonés, un evento sin periodicidad ni lugar concreto que este año celebra su segunda edición.

Con el sobrenombre Showroom prestado del mundo de la moda, Emergencia hace hincapié en lo efímero de su existencia: 4 días, desde el 28 de junio hasta el 2 de julio, en los que se ofrece una ocasión única para adquirir dibujos, obra gráfica y fotografías de pequeño formato a precios muy asequibles y que seguro se revalorizarán con el tiempo.

A nosotros nos alegra que exista esta propuesta por multitud de razones: porque acerca el arte contemporáneo al público -quitándole la pátina snob-, porque es capaz de reunir nombres de artistas locales emergentes pero de gran calidad –Socatoba, Santos Román, Zosen, Aleix Plademunt, Carlota Juncosa o Mina Hamada entre otros- , porque ofrece la posibilidad real de comprar arte a precios razonables y porque, además, prometen cerveza. No hay excusa que valga para no acercarse a Emergencia Showroom 2012.

 

Más información:
C/DEL PALAU, 4, BARCELONA

Goya vs Delacroix: dos gigantes de la Pintura en CaixaForum

4 Abr

CaixaForum lo sabe, los grandes nombres de la Historia del Arte atraen a las masas. Tras saborear el favor del público con la magnífica exposición Impresionistas. Maestros franceses de la colección Clark, CaixaForum celebra su décimo aniversario por todo lo alto, con exposiciones de dos de los mejores (y más conocidos) pintores románticos: Francisco de Goya y Lucientes (1746-1829) y Eugène Delacroix (1798-1863)

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La maja vestida, 1800-1807. Óleo sobre lienzo. Francisco de Goya

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Mujeres de Alger en su aposento, 1834. Eugène Delacroix

De este modo, podemos disfrutar en Barcelona de grandes restrospetivas de estos dos genios del arte por primera vez en décadas. Y gratis.

Con esta afortunada elección podremos además admirar la obra de Goya y Delacroix en relación, pues si bien son artistas de distinta generación, tienen sin embargo muchos lugares comunes interesantes de explorar, como son el compromiso del artista con su tiempo, su condena a la guerra, la libertad creadora, la experimentación pictórica… y un largo etcétera que cada cual podrá ir descubriendo en su visita a CaixaForum.

http://obrasocial.lacaixa.es

CAIXA FORUM, AV. DE FRANCESC I GUÀRDIA, 6-8, 08038, BARCELONA

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Goya. Luces y sombras: Del 16 de marzo al 24 de junio

Delacroix (1978-1863): Del 15 de febrero al 20 de mayo

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